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viernes, 2 de noviembre de 2018

ANÁLISIS/COMENTARIO DE "LA RESURRECCIÓN DE LÁZARO", DE GIOTTO

Se dice comunmente que Giotto es el precedente de los artistas humanistas del siglo XV, y no es para menos. De oficio, escultor, arquitecto y pintor de la baja Edad Media, es considerado uno de los artífices del inicio del Renacimiento en Italia.


  • Título: Resurrección de Lázaro
  • Autor: Giotto di Bondone (1267-1337)
  • Cronología: 1304-1306
  • Estilo: italogótico
  • Técnica: fresco
  • Soporte: muro (2x1,85 metros)
  • Localización original y actual: Capilla de los Scrovegni, Padua, Italia.


Las primeras manifestaciones artísiticas de Giotto se remontan a su más pequeña infancia. Se dice que un día, mientras cuidaba un rebaño de ovejas, se entretenía pintando una de ellas sobre una piedra. Por cuestiones del destino, pasó por su lado el reputado pintor florentino Cimbaue. Al ver la belleza de lo que allí había plasmado, quedó admirado de la destreza conseguida por el joven y convenció al padre del muchacho para dejarle que aprendiese a su lado el oficio.

Destaca en esta obra el empleo de colores muy matizados. Aunque tal vez otro de los aspectos más destacados es el empleo de la luz que, cuidadosamente trabajada, juega con los elementos para dar la sensación de cierta perspectiva. 

En cuanto a la representación de las figuras, destaca el empleo de amplios ropajes y cuerpos voluminosos debido tal vez al estudio anatómico de figuras reales. Sus rostros dejar en entredicho el contexto en el que se desarrolla la escena: solemnidad, asombro, veneración...

En esta escena se representa la resurrección de Lázaro la cual se puede ver descrita en el relato del Nuevo Testamento (San Juan capítulo XI) en el que se narra cómo Jesús hizo que resucitase a la voz de: "¡Lázaro, levántate y anda". Lázaro se encuentra a la derecha de la imagen ataviado con un vendaje que solo deja al descubierto su cara, mientras que Jesús aparece a la izquierda del espectador bendiciendo la escena. A sus pies Marta y María, hermanas de Lázaro, muestran su agradecimiento por lo acontecido.

Está considerada como una de las obras maestras de Giotto y se conserva en la capilla de los Scrovegni junto con otra serie de frescos. La obra fue encargada por Enrico Scrovegni, famoso por ser un terrateniente de poder de Florencia que trabajó constantemente por decorar la capilla familiar.  En cuanto a la composición cabe destacar que esta obra pertenece a un conjunto que se divide en dos: uno se lo dedica a la Virgen y otro a Jesús.




La figura de Cristo es similar al resto de los asistentes, algo que no deja de ser llamativo ya que dada la importancia y el rango de Jesús se podría pensar que debería ser de mayor magnitud o encontrarse en algún punto destacado. Asimismo los gestos son bastante llamativos. Tómese como ejemplo el personaje que aparece en el centro de la escena ataviado con una túnica verde que mira a Lázaro mientras con una mano señala hacia Jesús y con la otra sostiene su barbilla cómo gesto de reflexión e incluso cierta incredulidad. Tras Jesús se hallan las figuras de sus discípulos y a la espalda del personaje anteriormente citado, los judíos que lloraban la muerte de Lázaro. El mismo Lázaro por su parte aparece con una cara notablemente caridad y carente de expresión. Cierto es que el paisaje es bastante esquemático y carente de elementos efectuando los árboles de la parte superior derecha de la imagen, pero a su vez es suficiente para describir la escena, una escena en la que poco se ve del sepulcro en el que había estado enterrado Lázaro, el cual estaría tapado por una losa que están moviendo los personajes de la parte inferior derecha. 




Estos frescos deja en entredicho la posición que adopto Giotto en el arte de su época ya que se sitúa a caballo entre un gótico final y un Renacimiento que se anuncia con detalles que aparecen en esta obra. Por ejemplo: El estilo de ojos almendrados y las aureolas hechas con pan de oro son fruto de la tradición gótica, mientras que el empleo de gestos y el trabajo de la luz sobre la escena son guiños hacia lo que ha de venir. 

Giotto fue el principal exponente del estilo italogótico, el cual llegó para superar algunas ideas del gótico italiano del Trecento. Cabe destacar: 

El intento por crear ya efectos especiales. Además, el fondo dorado del gótico italiano se va sustituyendo por un paisaje y por estudios anatomicos de personajes en los que la luz cobra gran interés. 

Los personajes empiezan a mostrar un cierto estado de ánimo. 

Las figuras son penalmente naturales y con cuerpos que se alejan del estilo bizantino y se acerca hacia la naturalidad qué tanto predicaban los franciscanos de la época, con lo que se humanizan las escenas religiosas. 


viernes, 12 de octubre de 2018

ANÁLISIS DEL CUADRO "LA LETRA CON SANGRE ENTRA", DE GOYA

"La letra con sangre entra" es otro de esos cuadros en los que Goya no se corta a la hora de hacer una crítica profunda hacia la sociedad del momento. En este caso se trata de un lienzo en el que carga contra el sistema educativo de la España de finales del siglo XVIII.

"La letra con sangre entra"
Francisco de Goya
1780-1785
Museo de Zaragoza

Bajo un ambiente notablemente lúgubre y a la izquierda del espectador se puede adivinar la figura de un maestro azotando las nalgas de un alumno como muestra de castigo; mientras que en la parte central-derecha hay otros dos jóvenes que se están recomponiendo tras haber pasado ya por lo mismo, todos con claros y evidentes muestras de dolor.

Curiosamente el ropaje del "castigado" lo sostiene una compañera, lo que podría traducirse, o bien como una muestra de "traición" hacia su compañero, o como "sumisión" ante el mandato del maestro. Al fondo, ajenos y tal vez más que acostumbrados a esto, el resto de chavales

Iconográficamente el cuadro tiene algunos puntos interesantes. Por ejemplo se puede apreciar que el único foco iluminado de la escena es la parte trasera del alumno que está recibiendo castigo, un recurso utilizado por Goya para fijar la atención del espectador. Además también cabe destacar la figura del perro como símbolo de sumisión hacia la figura del docente o el hecho de que los alumnos están compartiendo los libros, denunciando de esta forma los escasos recursos educativos de los que disponía la sociedad del momento. Otro dato interesante es que curiosamente en la escena aparecen niños y niñas algo poco habitual en el sistema educativo del momento.

Los alumnos, ataviados con ricos ropajes, dejan en entredicho la posición económica de ellos y de sus familiares; lo que deja en evidencia a "los que no están": el pueblo llano, humilde. La educación de entonces, según la visión de Goya, estaba al alcance de unos pocos.

sábado, 22 de septiembre de 2018

REFRANERO

Recopilación de refranes escritos de forma aleatoria, sin orden, sin seguir una temática. Tal cual van saliendo.

Refrán: Gallo que no canta, algo tiene en la garganta...
Significado: Cuando alguien que siempre está bien deja de estarlo de forma repentina es posible que algo le haya sucedido.

Refrán: Cría cuervos y te sacarán los ojos...
Significado: Se utiliza cuando pones cuidas con cariño a una persona y luego ella te trata mal.

Refrán: Le dijo la sartén al cazo...
Significado: Se dice cuando una persona intenta dar lecciones sobre algo que ni a ella misma se le da bien.

Refrán: Poderoso caballero es "Don Dinero..:"
Significado: El poder del dinero es infinito.

Refrán: El que va a por leña verde, cuanto más anda, más pierde
Significado: Quien intenta hacer algo antes de tiempo, no conseguirá lo que persigue.

Refrán: Gallina vieja hace buen caldo
Significado: La experiencia casi siempre es positiva.

Refrán: No era na' lo del ojo y lo llevaba en el bolsillo...
Significado: Un acontecimiento que a priori parece que no tiene importancia, al final se convierte en una tragedia.

Refrán: Pan pa' hoy y hambre pa' mañana...
Significado: Se utiliza cuando se hace algo que no va a dar buenos resultados o no va a perdurar en el tiempo

Refrán: Gato con guantes no caza...
Significado: No se puede hacer algo bien si estás usando herramientas innecesarias o utensilios que te están estorbando.
Refrán: La vela que va delante es la que alumbra...
Significado: Lo que puedas hacer, hazlo cuanto antes. Aprovecha las circustancias.

Refrán: El que con verde se atreve, por guapo se tiene...
Significado: El verde no es un color fácil de combinar con otras prendas. Aquella persona que "se atreve" con él, está segura que le quedará bien.

Refrán: La pelá buena o mala, a los ocho días iguala...
Significado: Cuando te cortan el pelo y no te queda como esperabas: no te preocupes, en pocos días días se arreglará.

Refrán: El dolor de cabeza, el comer lo endereza...
Significado: Tener el estómago lleno siempre es bueno, según la creencia popular, para curar el dolor de cabeza.

Refrán: Tanta culpa tiene el que la mata como el que la ata por la pata...
Significado: Tan culpable es una persona de cometer un acto como aquella que le ayuda para que lo haga.

Refrán: Al que madruga, Dios le ayuda...
Significado: Hay que madrugar para aprovechar el día.

Refrán: No por mucho madrugar amanece más temprano...
Significado: Cuando intentas hacer algo que no depende de ti antes de tiempo, posiblemente no lo conseguirás.

Refrán: La pelá buena o mala, a los ocho días iguala...
Significado: Cuando te cortan el pelo y no te queda como esperabas: no te preocupes, en pocos días días se arreglará.

Refrán: Dame pan y llámame tonto...
Significado: Se dice cuando alguien pide algo a sabiendas de que por ello hablarán mal de él.

Refrán: El que no tiene cabeza, tiene que tener pies...
Significado: Se dice cuando alguien se olvida de algo y "tiene que volver" otra vez hacia atrás para cogerlo.

Refrán: Zapatero a tu zapato...
Significado: Cada uno que haga lo que mejor sabe hacer.

Refrán: Tía María me dé un melón, y las tierras de mi padre 'sembrás' de algodón...
Significado: Se utiliza cuando alguien pide algo mientras que tiene algo mucho mejor en su propiedad.

Refrán: Al hombre pobre la cama lo come...
Significado: Hay que aprovechar el tiempo al máximo y más aún cuando necesitas trabajas duro.

Refrán: Al perro que tiene dinero se le llama Señor Perro...
Significado: El dinero, a veces, es sinónimo de respeto.

Refrán: Lo que Juan dice de Pedro dice más de Juan que de Pedro...
Significado:Cuando alguien habla de otra persona a sus espaldas, dice mucho por lo que dice sin que esté presente.

Refrán: Donde se saca y no se mete, pronto se llega al 'hondón'
Significado: Cuando se gasta mucho y no se gana nada, pronto se acaba


(Se irá actualizando la lista. Puedes contribuir con tus comentarios ;-)

martes, 21 de agosto de 2018

COMENTARIO, ANÁLISIS - SAN CARLO ALLE QUATTRO FONTANE (FRANCESCO BORROMINI)



San Carlo alle Quattro Fontante posee, tal vez, la fachada más "fragmentaria, discontinua y antimonumental" del período Barroco. En esta iglesia se unen tres elementos muy llamativos: la parte inferior ondulada, la transición mediante el uso de las pechinas y la extraña forma ovalada de la cúpula, atrevimientos todos ellos que abrieron las vías a nuevos experimentos arquitectónicos.
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Fuente: https://es.wikiarquitectura.com/wp-content/uploads/2017/01/San_Carlo_alle_Quattro_Fontane_282729-895x1024.jpg

Tan exigente era Francesco Borromini con todo lo que hacía que se suicidó antes de la obra estuviese acabada porque pensaba que la fachada no estaba a la altura de una serie de valores que intentaba plasmar. Es especial esta obra en su producción porque en ella se une su primera obra (la iglesia y el claustro) y su última obra, la fachada; o lo que es lo mismo: estreno y culminación como artista en un mismo enclave.

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Fuente: https://es.wikiarquitectura.com/wp-content/uploads/2017/01/San_Carlo_alle_Quattro_Fontane_281429.jpg

INTERIOR

Empecemos hablando del interior y de la planta de la iglesia. Llama la atención la regularidad con la que plantea este aspecto el artista: racionalidad por los cuatro costados, literalmente, formando en su interior ese destacado óvalo compuesto por elementos sinuosos y ondeantes que se conjugan entre sí para plasmarle ese característico aspecto dramático de la obra, en el mejor sentido de la palabra.


Parece, eso sí, que los elementos internos carecen de relación entre sí. Nada más lejos de la realidad, pues Borromini optó por usar dos elementos unificadores: las 16 columnas de orden compuesto que "modelan" el conjunto, le otorgan un ritmo propio y a su vez sirven de elemento de carga para aguantar los pesos del óvalo. Como segundo elemento está el entablamento que, siguiendo las formas ondulantes de la planta, mantiene en todo momento como guía horizontal del perímetro del templo.
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Fuente: https://wikiarquitectura.com/wp-content/uploads/2017/01/San_Carlo_alle_Quattro_Fontane_283929-500x333.jpg

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Fuente: https://media-cdn.tripadvisor.com/media/photo-s/0d/7e/78/e5/san-carlo-alle-quattro.jpg

Sobre todo este conjunto ondulante se colocan arcos de medio punto y pechinas ambos elementos necesarios para mantener la cúpula, de forma oval. Destacan los llamativos casetones con formas geométricas que le otorgan ese aspecto tan identitario. Para crear sensación de altura los casetones de la cúpula se van reduciendo el tamaño conforme se aproxima al centro de la misma un efecto necesario para incrementar la sensación de profundidad y perspectiva.

Por su parte las ventanas se sitúan sobre la viga maestra y están en cierto modo ocultas por la ornamentación, creando el efecto de que la cúpula está brillando y a su vez está suspendida sobre el espacio de la iglesia.

EXTERIOR

Hablemos ahora del exterior, una de las partes más destacadas de este edificio. Borromini y decidió dividir la fachada en dos, y para unir ambas partes optó por combinar columnas normales y de orden gigante. Parece que el resto de la fachada lucha para romper está unidad con ritmo ondulantes y de forma ascendente y que le otorgan ese característico dinamismo al conjunto.

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Fuente: https://mir-s3-cdn-cf.behance.net/project_modules/disp/0614f925548307.563470f630fc7.jpg

El entablamento de la parte inferior, es fuerte horizontal y muy poco interrumpido mientras que el de la parte superior está muy segmentado fruto en gran parte del medallón que corona la fachada y que a su vez se utiliza para darle ascendencia a la misma. Las columnas, y más entre sí, atención ese sentido vertical mientras que el movimiento ondulante se manifiesta de forma evidente con entrantes y salientes de forma cóncava que conforman preceptores verticales en la fachada. Cabe destacar la extremada fantasía y hasta el más mínimo detalle está cuidado en esta obra. Como ejemplo se podría citar los capiteles inspirados en el estilo corintio, pero en lugar de inclinar sus volutas hacia fuera como es lo normal se inclinan extrañamente hacia dentro.

IMPORTANCIA DE LA OBRA

La importancia de esta obra, como ya se ha señalado anteriormente, reside en que fue el primer proyecto exclusivo de Borromini. Fueron los Padres Trinitarios quienes se encargaron un conjunto formado por convento iglesia y claustro y te debía ser alzado sobre un solar irregular por sus dimensiones y la orientación del sitio pues este templo está emplazado en una esquina muy condicionada por las cuatro fuentes, le dan nombre al edificio.

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Fuente: http://4.bp.blogspot.com/-_YKeVkkOC8g/UIMNjOqbZcI/AAAAAAAAA0I/znBfGtJbvzY/s1600/San+Carlino+foto+web.jpg

El resultado de la obra consagró a Borromini como un arquitecto admirado especialmente en el ámbito religioso, fruto en gran parte de trabajos como este, donde la espiritualidad se impregna en cada rincón. Su estilo, en relación con su personalidad, siempre fue en cierto modo atormentado e insatisfecho, fusionando la arquitectura con la escultura lo que impedía en cierto modo que el ojo descanse durante su contemplación, además de un uso de la perspectiva como una herramienta para reducir el espacio y la implementación de elementos contrapuestos constantemente que en su conjunto le imprime un carácter definido e identitario.

Datos:
  • Nombre: San Carlo alle Quattro Fontane (San Carlos de las Cuatro Fuentes)
  • Arquitecto: Francesco Borromini (1599-1667)
  • Cronología:
    • Iglesia y claustro: 1638-1641
    • Fachada: 1665-1667
  • Localización: Roma (Italia)
  • Estilo: Barroco
  • Materiales: estuco y ladrillo

jueves, 21 de junio de 2018

COMENTARIO - "SAN HUGO EN EL REFERTORIO DE LOS CARTUJOS" (FRANCISCO DE ZURBARÁN)

Si hay un pintor ligado a la vida monacal ese es Francisco de Zurbarán, pues pocos como él supieron captar con tanta naturaleza y delicadeza la espiritualidad de los monjes en un contexto social marcado por la Contrarreforma. Cabe destacar su nombramiento como "maestro de la ciudad de Sevilla", lugar en el que desarrollaron parte de su trabajo artistas de la talla de Alonso Cano, Murillo e incluso Velázquez.

BREVE RESEÑA SOBRE EL AUTOR

Francisco de Zurbarán nació allá por 1598 en Fuente de Cantos (Badajoz) y murió en 1664 en Madrid. Sus padre fue un mercero de origen vasco y su madre, una señora natural de Extremadura. Empezó su formación en el taller del "pintor de imágenes sagradas" Pedro Díaz de Villanueva a la edad de 15 años. Cabe destacar la relación que se le atribuye con Velázquez y su estilo marcado por el misticismo. Aunque es evidente que algunas de sus obras tienen una clara relación con la forma de hacer de Caravaggio, es cierto que fue evolucionando hasta el casi manierismo procedente de Italia.



COMENTARIO

Este cuadro, junto a "La Virgen de los cartujos" y "La visita de San Bruno al papa Urbano II", fue fruto de un encargo de la cartuja de Santa María de las Cuevas, próxima a Sevilla y representa una escena acontecida a los monjes fundadores de la Orden de los Cartujos en Grenoble.
Representa la escena de la visita de San Hugo a la Orden. Según cuenta la tradición, San Hugo los visitó y les pidió a los monjes carne para comer. Estos, que la tenían prohibida, se debatían entre comerla o contrariar al monje; y en esta tesitura cayeron en un profundo sueño que duró 45 días. Pasado este tiempo, San Hugo envió a su criado para avisar a los monjes de una nueva vista. Al llegar, encontraron a los monjes en la misma estancia y con la carne aún dispuesta para comer a pesar de estar en tiempo de Cuaresma. San Hugo, tras hacer la señal de la cruz sobre la comida, la hizo cenizas; una señal de que en la regla de no poder comer carne no cabían discusiones.



Al mirar por primera vez el cuadro, uno de los aspectos que más llama la atención es la paleta o gama de colores que usa en él; prediminando claramente los blancos, ocres y grises y en menor medida azules, transparentes y malvas. Tan sólo rompe esta dinámica el cuadro del fondo, en el que se puede ver a la Virgen, el Niño y San Juan Bautista con coloridas túnicas. Además llama la atención el modelado de todos los personajes, muy marcado y trabajado y que se aleja de las formas planas de su primera etapa. Los luminosos colores así como los perfiles destacan sobre todas ellas.

En cuanto a la composición, podemos diferenciar tres planos. En primer lugar, de perfil y en el centro de la composición está el paje de San Hugo, mientras que en la parte derecha del cuadro y ya con marcada anatomía de una persona anciana, el propio santo. En segundo lugar está la mesa, donde destacan algunos elementos como las jarras, los panes y la cubertería. Finalmente y en tercer plano, los monjes fundadores de la Orden, entre los que destaca en la parte central San Bruno. Todos ellos se distribuyen a través de la línea horizontal de la mesa.

En cuanto a la estancia, se podría decir que consta de poca profundidad y es notablemente austera: tan sólo rompen la dinámica el cuadro del fondo y una simple iglesia que se observa tras el arco de la parte derecha.

Del mismo modo son llamativos los rostros de los personajes, quienes están visiblemente demacrados fruto tal vez del ayuno, algo que viene a hablarnos sobre la dura y marcada vida que llevaban a cabo en la cartuja.

Una obra en definitiva que resume el compromiso de Zurbarán con la temática religiosa, marcada de naturalismo, sencillez y con un interés por marcar el contrastre entre las formas. Son especialmente admirables sus naturalezas muertas y la forma de trabajar las expresiones, las cuales están llenas de puro sentimiento. Al final de su vida, su producción se centra a la exportación de obras hacia América, concretamente hacia México, algo que casa y a su vez tiene relación con el auge de los encargos de obras a Murillo.
  

"San Hugo en el refectorio de los cartujos", Francisco de Zurbarán, 1655, 2,68 x 3,18, Museo de Bellas Artes de Sevilla
 

jueves, 15 de marzo de 2018

ANÁLISIS - LA COLUMNATA DE SAN PEDRO DEL VATICANO (BERNINI)

Podríamos decir que la columnata de San Pedro del Vaticano resume en gran medida las características del Barroco. Posee un caracter fundamentalmente funcional, tiene una gran proyección simbólica y tiene un rasgo escenográfico indudable. De hecho esta construcción fue ideada para simbolizar la unión entre la basílica y los ciudadanos. Su forma de "brazos abiertos acogiendo a las personas" de siguiendo el modelo elíptico, respondiendo de esta forma a una arquitectura "abierta, dinámica y plenamente integrada en su entorno"



En esta contrucción, Gian Lorenzo Bernini dio rienda suelta a su idea de arquitectura barroca italiana, sin dejar a un lado los conceptos de la Contrarreforma y expuso en sus obras la idea de poder de la Iglesia católica. Para realizar esta obra, destinó gran parte de su vida y aunque no pudo terminar las torres proyectadas por Maderno, proyectó la plaza como solución a los "problemas de visión del frente basilical".

Uno de los objetivos propuestos por Bernini al inicio de la contrucción era el de proyectar un acceso digno a la basílica, referente de la religión cristiana. Se pretendía "acoger al fiel" y que este tuviese un acercamiento visual y emocional con el Papa, quien se situaría en el balcón de la Loggia al realizar la bendición del urbi et orbi. Además, también se propuso colocar como punto de referencia el gran obelisco del papa Sixto V. Cabe destacar también el inmenso trabajo que se hizo para salvar los desniveles de la zona.


En un principio, Bernini pensó en realizar "una primera plaza delimitada por dos brazos rectos" abiertos para dar paso a una gran plaza de forma elíptica. Con ello se conseguía una perfecta visión del papa desde cualquier punto de vista. El citado desnivel fue superado colocando terrazas a lo largo de la zona. Como ya hemos adelantado, la forma de brazos circulares característica de la plaza simboliza la acogida del fiel por parte de la Iglesia.

Cada brazo está compuesto por una hilera de cuatro filas de columnas acompañadas de pilares toscanos, formando así tres calles interiores bajo un entablamento de tipo jónico. En la balaustrada de la parte superior se pueden contar hasta 140 figuras de santos mártires.



Este proyecto fue clave para dotar a la cúpula de Miguel Ángel la importancia que se merecía. Uno de los problemas a los que se tuvo que enfrentar Bernini fue a la fachada demasiado horizontal que había proyectado Maderno, quien, además, no pudo terminar las dos torres en los extremos de la misma. La cúpula renacentista, hasta entonces, estaba destinada a un segundo plano. Para salvar esta cuestión, Bernini adoptó algunos recursos ópticos  que sirvieran para acentuar la altura de la fachada con el objetivo de hacer de la cúpula "la cabeza visible del cristianismo". La altura notablemente reducida de la columnata respecto a la basílica y la esbeltez de las figuras gigantes del frente de la basílica fueron alguno de los recursos que utilizó.



Pero, ¿qué hay tras esta contrucción? Debemos tener en cuenta que estamos en un período en el que la Iglesia empezaba a retomar con fuera un poder que había sido mermado años atrás. Además, la Contrarreforma tuvo como uno de sus objetivos sorprender y conmover al fiel a través, entre otras cosas, de arquitecturas como esta que provocasen emociones. De esta forma y según el propio Bernini, cuando el fiel visita la zona se "pierde" entre un bosque de columnas de tal forma que se deja ver el edificio aunque difícilmente puede ser visto de forma completa gracias a uso de una visión cambiante que le otorga en entorno arquitectónico; todo ello acentuado por el juego de claroscuros que impregna el ambiente. Finalmente y tras atravesar ese sinfín de columnas, el espectador se sorprende al encontrar ante su persona la grandilocuente fachada en la que destaca el volumen de la cúpula. Ya en el siglo XX y dentro del proceso de reurbanización del entorno, la plaza queda como punto distintivo en la parte final de la gran Via della Conciliazione, que se traza a partir del río Tíber.


miércoles, 21 de febrero de 2018

BREVE RESEÑA SOBRE EL "MANIERISMO"

Corría la segunda mitad del siglo XVI cuando Europa empezó a vivir un cierto período de caos político, que coincide con la crisis de algunas monarquías, y la evolución de la Reforma protestante en el ámbito reigioso. Es en este contexto cuando nace el llamado "Manierismo", un término procedente del italiano 'maniera', haciendo alusión a aquellos artistas que transgredían los cánones clásicos.

Este movimiento nace y tiene sus primeros reflejos en la Italia de 1520 y se extiende hasta 1620 y su objetivo es crear una especie de confrontación respecto al Renacimiento, basado este último en la racionalidad. El objetivo del manierismo es potenciar los movimientos y la emoción, unido a una sensualidad intensa llevada a cabo gracias en gran parte a movimientos y efectos exagerados que poco tiene que ver con la proporcionalidad clásica del Renacimiento.



ARQUITECTURA. A mediados del XVI, artistas como Miguel Ángel, Vignola o Peruzzi empiezan a saltarse las normas clásicas alterando constantemente la estrecha correlación entre las partes y el resto del edificio, cambian los órdenes clásicos, se establecen nuevos ritmos, juegan con la asimetría, cambian la escala, las proporciones... Participa de esta forma de las corrientes góticas, renacentistas y barrocas. Sansovino y Pallado son algunos de los artistas destacados de este contexto.
Biblioteca Marciana de Venecia, Sansovino


ESCULTURA. Uno de los rasgos diferenciadores de la escultura manierista es el uso de la 'curva serpentinata', es decir, la "contorsión en forma de ascensión helicoidal"). Benvenuto Cellini y Juan de Bolonia son algunos de los máximos exponentes de esta corriente. Existe, eso sí, un equilibrio pleno entre la masa y el movimiento y se tiende a la grandiosidad de las figuras y a las facciones anatómicas perfectas y exageradas.

"La Piedad", de Miguel Angel
PINTURA. En cuanto a la pintura, destaca el empleo de posturas forzadas y exageradas con figuras humanas notablemente largas. El color se coloca de una forma un tanto arbitraria. El espacio, a veces, parece irreal, imaginario, mientras que los conjuntos de imágenes son muy abigarrados por lo general y las composiciones bastante complejas. El Greco, por ejemplo, fue un claro ejemplo de esta tendencia.

"La Madonna del cuello largo", Il Parmigianino

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